Rumbo al Oscar 2018

Premio Óscar

En la salvajada de país que se ha convertido Venezuela, es un privilegio ver películas por cualquier vía, porque no hay tiempo, no hay medios, no hay dinero, no hay ganas para seguirle el ritmo a 45 largometrajes que compiten en las 24 categorías del premio de la academia 2017 -2018.

Es por eso que este año y quizás por primera vez desde que esta sección anual existe, no habrá una gran odisea para ver el mayor número de películas antes del evento, se acabó aquella divertida locura de ir a cualquier sala de cine o buscar hasta por debajo de las piedras dónde encontrar o ver los metrajes hasta llegado el domingo. Por tanto, sólo se vieron los filmes que se pudo, cuando se pudo y cómo se pudo, lo que no permite un análisis completo ni minucioso. Tampoco realicé un mayor esfuerzo pero a diferencia del 2017, leí más guiones de candidatas a premios y considero que por suerte observé las propuestas con más opción a galardones.

De las candidatas no tengo preferencia por ninguna (salvo por los latinos), de hecho cuando vi las películas por segunda vez es que muchas de ellas lograron engancharme, salvo ‘Coco’, ‘I, Tonya’, entre otras, que sedujeron a primera vista, incluso, considero que el largometraje dirigido por Craig Gillespie y producido por Margot Robbie, debió estar entre las nueve mejores y una de las que está, sobra.

Las categorías a considerar en este Rumbo al Óscar son (13): Película, director, guión original y guión adaptado, actriz principal y actriz soporte, actor principal y actor de soporte, película animada, efectos visuales, maquillaje y peinado, canción original y banda sonora.

Recuento: De los largometrajes seleccionados que se estrenaron en Venezuela que optan como mejor animado, sólo se pudo ver Coco (diciembre) y por tv paga The Boss Baby, pero de las cinco candidatas a efectos visuales cuatro estuvieron en pantalla grande: Kong: Skull Island (marzo), Guardians of the Galaxy Vol. 2 (abril), Blade Runner 2049 (octubre), Star Wars: The Last Jedi (diciembre); y de los nueve largometrajes nominados al máximo premio (mejor película), ya se pudo ver Get Out (mayo), Dunkirk (julio), Darkest Hour y Call Me By Your Name (enero 2018), The post y Phantom Thread (febrero 2018), Lady Bird (marzo 2018). También pasó por cartelera nacional The Disaster Artist (enero 2018), Mollys game (febrero 2018) y All the money in the world (marzo 2018).

Otras películas nominadas al premio Óscar que se pudieron ver en el país: Beauty and the Beast (marzo), Baby Driver (septiembre) y Wonder (noviembre).

Curioso:

  • Un año de muchos actores repitiendo en varias películas de las nominadas, es el caso de Michael Stuhlbarg (‘Call Me by Your Name’, ‘The Shape of Water’, y ‘The Post’), Lucas Hedges (‘Lady Bird’ y ‘Three Billboards Outside Ebbing, Missouri’) y Michelle Williams (‘All the Money in the world’ y ‘The Greatest Showman’), Richard Jenkins (‘Kong: La isla calavera’ y ‘The Shape of Water’), Saoirse Ronan (voz en ‘Loving Vincent’ y ‘Lady Bird’), Timothée Chalamet (‘Call Me By Your Name’ y ‘Lady Bird’).
  • Tres actores repiten candidatura dos años seguidos: Meryl Streep, Denzel Washington y Octavia Spencer.

De antemano lector disculpe por cualquier error u omisión, pero la dinámica de escribir en tiempo real es así. Vale aclarar que este post queda abierto y puede ser modificado -o no- más de una vez, y cierra antes de lo previsto, y en espera de la edición Nº 90 de los Premios Oscar que se efectuará el día 4 de marzo.


Rumbo al Oscar 2017: [RESEÑAS] Kong: La isla calavera (2017), Get Out (2017), Dunkerque (2017), Call Me By Your Name (2017), Tres carteles afuera de Ebbing, Missouri (2017), Lady Bird (2017), Las horas más oscuras (2017).


Lady Bird Three Billboards Outside Ebbing Missouri Call Me by Your Name

The Shape of Water Phantom Thread The Post

Dunkirk Darkest Hour Déjame Salir-2017


MEJOR PELÍCULA


En orden de importancia las películas que pueden lograr mayor identificación según la edad: a los adultos que sufren en países en conflicto donde la impunidad es la ley, les interesará ‘Tres carteles afuera de Ebbing, Missouri’ (comedia dramática), ‘Darkest Hour’ (biopic dramático político) y lo complementará con ‘Dunkirk’ (thriller de acción bélica), y ‘The post’ (biopic dramático); los excluidos románticos preferirán la fantasía en ‘The Shape of Water’ (drama romántico); los racista miedosos Get Out (thriller de terror psicológico); los adolescentes preferirán ‘Lady Bird’ (comedia dramática); y para los cachondos pervertidos ‘Call Me By Your Name’ (drama romántico).

El equipo de Tres carteles afuera de Ebbing, Missouri (2017) espera coronarse el 4 de marzo ya que ha triunfado en la temporada.


*Se coronó en la edición nº 90 la película del mexicano Guillermo del Toro:  ‘The Shape of Water’.


* Por ver: ‘Phantom Thread’, ‘The post’ y ‘The Shape of Water’ (leído el guión).


MEJOR DIRECTOR


  • Christopher Nolan (Dunkirk), Guillermo del Toro (The Shape of Water), Greta Gerwig (Lady Bird), Jordan Peele (Get Out), Paul Thomas Anderson (Phantom Thread)

Greta Gerwig (34 años) quizás más conocida como actriz, ‘Lady Bird’ es su segunda película dirigida y su primer largometraje escrito sólo por ella habiendo participado como co-autora en otras cinco películas. Debuta en su primera nominación al premio Óscar en dos categorías, siendo una de las pocas mujeres que ha logrado entrar en competencia, salvo que ahora las féminas cuentan con el empuje del movimiento ‘Time’s Up’. Ojalá resulte y esto sirva de incentivo para que puedan competir otras directoras y guionistas. Al finalizar de ver la película, la impresión que dejó es que Gerwig tenía todo claro desde el guión, y eso la empoderó para trasladar el texto a la pantalla: las locaciones, lo que quería aprovechar de las actrices, lo que quería consolidar de la relación madre e hija y lo que quería sutilmente criticar (catolicismo y humanización del cura, sexo, aborto). Ahora, no sé si sea responsabilidad de ella o de Ronan pero ¿se daría cuenta que Christine ‘Lady Bird’ usaba el yeso en el brazo como si no le hubiera pasado nada?

Objetivamente, no le veo chance al talentoso grupo de mujeres de ganar premios (veremos si hay sorpresas), y para la autora de este nostálgico relato, será un buen recuerdo ser una de las pocas afortunadas de competir con cuatro directores, tres de ellos de extensa trayectoria.

Otro novato que tampoco tendrá chance en esta categoría salvo algún batacazo, es Jordan Peele (38 años), nominado por primera vez al premio de la academia en tres categorías por su película como guionista y director de ‘Huye!’ o ‘Déjame salir’, que no sólo ha sido candidato en la mayoría de los premios efectuados para complacer la diversidad, lo que sería mezquino pensarlo, porque Peele ha recorrido el circuito de premios por llevar las parodias de ‘Scary Movie’ a otro nivel, siendo un genio para inspirarse y satirizar clásicos, adaptándolos elegantemente a un protagonista de raza negra, consiguiendo brillantes momentos en la dirección.

Christopher Nolan (47 años) cinco veces nominado al premio de la academia en tres oportunidades (2002, 2011 y 2018), supone un nuevo avance en su espectacular carrera, siendo la primera propuesta inspirada en hechos reales de carácter histórico, hizo con el ritmo lo que le dio la gana, perfectas imágenes desde todos los ángulos y según los puntos de vista de los personajes en sus respectivos tiempos y espacios. Sin embargo, por como se han dado los resultados de la temporada, para esta entrega nº 90 del premio de la academia deberá conformarse con todas las merecidas nominaciones a premios que ha tenido (al menos que los académicos quieran revertir las predicciones).

Guillermo del Toro (53 años) en su cuarta nominación al galardón dorado dirige el drama de aventura y fantasía ‘The Shape of Water’, y desde el guión se nota lo laborioso del diseño de producción para llevar a cabo esta propuesta. El mexicano como director ha ganado en todos los premios de esta temporada y sería demoledor –para él- que perdiera el Óscar en esta categoría.

* Por ver: ‘Phantom Thread’ y ‘The Shape of Water’ (leído el guión).


GUIÓN ORIGINAL


  • Get Out (Jordan Peele), Lady Bird (Greta Gerwig), The Big Sick (Kumail Nanjiani, Emily V. Gordon), The Shape of Water (Guillermo del Toro, Vanessa Taylor), Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Martin McDonagh).

Leí cuatro de los cinco guiones en competencia, si hablamos de originalidad en la historia casi todos ganan, sólo que algunos de los textos se hacen imprescindible ver la película por la magia que significa llevar lo escrito a la gran pantalla, es lo que me pasó al leer The Shape of Water, escrita por Guillermo del Toro (53 años) y Vanessa Taylor, ya que al haber un personaje mudo y un ser extraordinario, obliga a querer ver qué y cómo logró Guillermo del Toro trasladar técnicamente la fantasía. Los otros guiones, así no viera el largometraje se puede seguir la historia y da igual quienes son los intérpretes. Quizás la temática no es oportunista y no trata los temas que están en boga pero sí toca temas universales de los cuales se puede identificar los rechazados, los diferentes, los excluidos.

Del grupo de nominados en esta categoría, el guión de Greta Gerwig (34 años) autora de Lady Bird, cuenta con una estructura sencilla, lineal, sin complicaciones y donde el valor recae en el contexto que Christine rechaza. No muy original en cuanto a narrar en una comedia dramática el crecimiento a la madurez, con sus respectivos miedos y conflictos existenciales en esa complicada etapa: mamá, novios, amiga, estudios, pero es un relato sincero de la adolescencia femenina, de allí su valor, identificación y trascendencia. Sin abandonar las dolencias masculinas en algunos chicos que temen salir del closet y aquellos insensibles que no cuentan con herramientas para comprender la vulnerabilidad de la mujer en su primera vez. Un detalle menos: el yeso. Gerwig siendo actriz, sigo sin comprender porqué le dio tan poco valor al uso del yeso, porque en el guión no había ninguna acotación de dolor o incomodidad por eso, y todo elemento que se use en escena tiene importancia y modifica al personaje. No lo consideraron ni ella como actriz, guionista y directora, y ni siquiera la protagonista.

El guión de Get Out escrito por Jordan Peele (38 años) es tan consistente que tiene todos los elementos para ambientar el thriller psicológico de terror diluido en almíbar (humor) e introducir al misterio, se entiende los cabos que parecen sueltos y están muy bien entrelazados. En las tres categorías en las cuales compite Peele tiene chance real de ganar en el guión original, sólo que la competencia es durísima, por ejemplo con ‘Three Billboards Outside Ebbing, Missouri’ donde se arriesga igual en cuanto a la variedad de géneros pero además abarca más temáticas incluyendo el racismo directo y por momentos consiguió conmover.

El creador de esa comedia dramática es Martin McDonagh (47 años) quien es guionista, productor y director de la Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, en su segunda nominación al galardón dorado (ganó un Óscar por el cortometraje Six Shooter). Una muy buena historia original que dice más de lo que parece y lo mejor son los personajes que haría destacar a cualquier actor, creando caracteres antagónicos que se complementaron. Su estructura es lineal con escenas paralelas, un plano frecuencia y flashback incluido (diez meses atrás) para recordar la relación de Angela con su madre Mildred, el día que discutieron y la chica salió para no volver; y otro momento para recordar las horas previas al suicidio del sheriff. Hay acciones agresivas desde el mismo hecho de la violación de una rebelde adolescente, las groserías, incomunicación, relaciones rotas (madre e hijos, ex esposos), en tres situaciones humanas irreversibles: la violencia, la impunidad y la venganza. Trampas bien elaboradas y entrelazadas perfectamente en la edición tal cual sale en el guión, y el maniqueísmo de los personajes y situaciones para engañar o dejar con dudas al espectador, simpatizando con el tono tragicómico que se plantea.

* Por ver: ‘The Big Sick’, ‘The Shape of Water’ (leído el guión).

GUIÓN ADAPTADO


  • Call Me by Your Name (James Ivory), Logan (Scott Frank, James Mangold, Michael Green), Molly’s Game (Aaron Sorkin), Mudbound (Dee Rees, Virgil Williams), The Disaster Artist (Scott Neustadter, Michael H. Weber).

Es merecido que ‘Logan’ tenga aunque sea una nominación al premio de la academia porque para quienes hemos visto toda la saga del personaje, encontramos que fue una gran película de acción.

De las otras nominadas, destacaría The Disaster Artist, leí el guión y vi la pésima película original (me dormí), que sirvió de base para reproducir varias de las escenas del largometraje, y no hay nada que objetar, es realmente divertido ese contraste entre la caracterización y el productor, director y actor real.

Pero, considero que le llegó la hora de ganar al veterano James Ivory (89 años) en su cuarta nominación al premio Óscar, y del grupo tengo el panorama completo de Call Me by Your Name porque leí el libro, el guión y vi la película. Ivory dosificó la personalidad de Elio comparado con las acotaciones de la perversa psicología del personaje de la novela de Aciman, permitió ver la pureza de Elio, copiando fielmente la secuencia de las acciones, incluyendo la innecesaria escena del melocotón con la salvedad de crearle un final emotivo, descartando todo el texto que podría convertirse en la secuela de la película. El detallado guión señala las edades de los personajes (Elio 17 años y Oliver 25 años), agregó la voz en off de Elio adulto, y que del director no suprimir escenas habría durado tres horas de ocio. En el texto del guión adaptado el monólogo del padre cuando conversa con su hijo, contiene la frase: “And if there is a flame, don’t snuff it out” (pág. 90) no está en la película y habría servido para entender mejor el final de Elio en el fuego.

* Por ver: ‘Molly’s Game’ (leído el guión).


MEJOR ACTRIZ


  • Frances McDormand (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri), Margot Robbie (I, Tonya), Meryl Streep (The Post), Sally Hawkins (The Shape of Water), Saoirse Ronan (Lady Bird).

La experimentada norteamericana Meryl Streep (68 años) vuelve al ruedo en su nominación nº 21 y con tres galardones dorados obtenidos, esta vez por Kay Graham en ‘The Post’ (2017); Sally Hawkins (41 años) en su segunda nominación por la tierna muda Elisa Esposito en ‘The Shape of Water’ lo que implicó que aprendiera ciertas señas del lenguaje de sordomudos; del grupo, es el personaje más difícil porque su expresión recae en su rostro no en sus palabras. Mientras la más pequeña del grupo, la irlandesa Saoirse Ronan (23 años) ya cuenta con su tercera nominación al premio Óscar, esta vez por la norteamericana Christine ‘Lady Bird’ McPherson en ‘Lady Bird’. La adulta Ronan haciendo un personaje de adolescente rebelde, sin caer en el estereotipo de alcohol y drogas (aunque toma y fuma…), es una chica soñadora experimentando hasta transitar la mayoría de edad, las responsabilidades, la adultez. Muy parecido a lo hecho con Eilis en ‘Brooklyn’, sólo que más atrevida, urbana y contestataria, llevando a la actriz a otros lugares no vistos en su carrera (comedia) y manteniendo la elegancia. Lo único en contra de la personificación es que usó un yeso en el brazo y actuó como si no lo tuviera, sin una mueca de dolor, y para casi todo usaba ese brazo. Esa fractura le habría servido para aportarle más detalles graciosos a la construcción del personaje, que de por sí es muy creíble.

La novata en esta categoría es la australiana Margot Robbie (27 años) en su primera nominación al premio de la academia interpretando a la polémica patinadora olímpica Tonya Harding en ‘I, Tonya’, pero no es el típico biopic, es un drama de la vida real, contado con gracia y eso le dio la posibilidad a la actriz de dar variedad de matices a su personaje para encantar con el drama y con la comedia. De las actuaciones de esta contienda, Robbie es de las pocas que consiguió causar risa y conmover.

Y la favorita de esta temporada de premios es Frances McDormand (60 años) en su quinta nominación ya ganadora de un premio de la academia. Interpretó a Mildred Hayes (50 daños), una madre divorciada del golpeador y ex policía Charlie con quien tuvo dos hijos, Robbie (17 años) y su asesinada hija Angela Hayes (ni en la película ni en el guión se especifica la edad). Es una mujer de escasas sonrisas y trato amargo, no es una madre ejemplar y pareciera que perdió la fe en Dios y en la iglesia católica. El dolor, la culpa, la impunidad y la grosería con la cual anda Mildred por Missouri son consecuencia del sistema machista que no le da respuesta ni siente interés real por descubrir quién asesinó a su hija. Otro estupendo personaje para que McDormand se luciera con su gracia y talento natural, aunque la comedia se le da más fácil y no logró conmoverme hasta las lágrimas, todo apunta que ella tiene la mayor opción de ganar el premio Óscar porque ha ganado todo: Critics Choice, Globo de Oro, SAG y BAFTA.

* Por ver: ‘The Post’, ‘The Shape of Water’ (leído el guión).


MEJOR ACTRIZ SOPORTE


  • Allison Janney (I, Tonya), Laurie Metcalf (Lady Bird), Lesley Manville (Phantom Thread), Mary J. Blige (Mudbound), Octavia Spencer (The Shape of Water).

La veterana en esta contienda es Octavia Spencer (47 años) ganadora de un premio de la academia, en su tercera nominación al premio de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas por la graciosa Zelda Fuller en ‘The Shape of Water’ (2017).

Las primerizas son la actriz inglesa Lesley Manville (61 años) y tres norteamericanas Mary J. Blige (47 años), Laurie Metcalf (62 años), y Allison Janney (58 años) como la despreciable madre de Tonya Harding en ‘I, Tonya’ quien al igual que Martin McDonagh por su película, Guillermo del Toro como director, Frances McDormand y Gary Oldman como actores protagonistas, y Sam Rockwell como actor de soporte, ha arrasando.

* Por ver: ‘Phantom Thread’ y ‘The Shape of Water’ (leído el guión).


MEJOR ACTOR


Del grupo el consentido es Daniel Day-Lewis (60 años) interpretando a Reynolds Woodcock en ‘Phantom Thread’, seis veces nominado al Óscar, obteniendo tres galardones y con la amenaza de retirarse de la actuación. El otro actor experto en nominaciones y premios es el veterano Denzel Washington (63 años) en su novena nominación al premio de la academia con dos premios Óscar ganados, esta vez candidato por Roman J. Israel, Esq. en ‘Roman J. Israel, Esq’.

Uno de los novatos es el benjamín del grupo y de los nominados de este año, Timothée Chalamet (22 años) quien pudo sostener la atención durante esas largas horas de vagancia del tímido e “inocente” personaje, y obtuvo su primera nominación al premio de la academia interpretando a Elio, un adolescente siendo un actor mayor de edad.

El otro que se estrena en esta contienda es Daniel Kaluuya (28 años), actor inglés que es conocido por su participación en la serie de televisión ‘Black Mirror’ y para otros es la primera vez que lo vemos actuar destacándose a lo grande, porque el guión y la dirección son precisos en lo que querían y el actor lo consiguió. Pasó por todas las facetas requeridas: romántico, amigable, respetuoso, sumiso, desconfiado, dolorido, desesperado y furioso. Entre los dos talentosos actores jóvenes Chalamet (‘Call Me By Your Name’) y Kaluuya, éste último gana en reacciones faciales y físicas, aprovechando más el personaje, al norteamericano le faltó más duda, represión, y mostrar facialmente mayor deseo, sin embargo, el joven Elio estuvo más expuesto.

Ya le llegó la hora. Es perceptible que Gary Oldman (59 años) en su segunda nominación al premio de la academia o cualquier intérprete de trayectoria y talento comprobado como el de él (o el de John Lithgow), gane la mayoría de premios de la temporada caracterizando al británico Winston Churchill (1874-1965), ya que es un personaje para aprovecharlo y lucirse (apoyado por el maquillaje), por su físico, por su forma de hablar y por todo lo que significó el poder del protagonista y su discurso. Muchos actores ganan por los personajes más que por su interpretación, no creo que este sea el caso. Espero la victoria del actor en el premio Óscar.

* Por ver: ‘Phantom Thread’ y ‘Roman J. Israel, Esq.’


MEJOR ACTOR SOPORTE


  • Christopher Plummer (All the Money in the World), Richard Jenkins (The Shape of Water), Sam Rockwell (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri), Willem Dafoe (The Florida Project), Woody Harrelson (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri).

El actor más longevo de la edición nº 90, es el ganador de un Óscar Christopher Plummer (88 años) vuelve a ser nominado por tercera vez por asumir el personaje J. Paul Getty en ‘All the Money in the World’ (2017), personaje que le fue arrebatado al controversial Kevin Space luego del escándalo del cual es conocido por la mayoría del público. Otro actor que cuenta con su tercera nominación al Óscar es Willem Dafoe (62 años) por Bobby en The Florida Project. Y en su segunda nominación al premio de la academia Richard Jenkins (70 años) por Giles en The Shape of Water.

Woody Harrelsnon (56 años) en su tercera candidatura al premio Óscar, es el comisario Bill Willoughby (50 años) con más de 25 años de servicio en la policía. Buen esposo y padre, casado con Anne (30 años) y dos hijas. Es querido y respetado por los pueblerinos de Ebbing quienes saben que padece de cáncer. Públicamente es acusado por Mildred de no hacer lo suficiente por resolver el caso de su hija asesinada. Al avanzar su enfermedad decide suicidarse y dejar tres cartas de despedida, una para su esposa, otra para Mildred y la última para Dixon, su compañero de trabajo. Después de su fallecimiento lo relevó el comisario Abercrombie. El comisario cumple un rol generador de emociones y acciones para darle continuidad a dos de los personajes principales. Gracias a él Mildred pudo seguir inquietando con las vallas y Dixon consiguió confianza para tratar de ser mejor detective (y mejor persona). Harrelson cumplió con el cometido del personaje pasando por transiciones sin brusquedad, mostró carácter y liderazgo en su profesión, mandando, conciliando y comprendiendo al prójimo; vulnerable ante la enfermedad; amoroso y respetuoso como cabeza de familia; decidido ante la muerte. Gran personaje.

Sam Rockwell (49 años) en su primera nominación al premio de la academia, caracterizó al oficial Jason Dixon (35 años), un hombre infantil que estudió para ser policía y duró seis años en la academia, su don es la violencia. Al morir su padre debió hacerse cargo de su anciana, alcohólica, irónica y poco amorosa madre, de quien se deja influenciar. Soltero, alcohólico y de conducta despreciable, ignorante, inmaduro, soberbio, machista, racista, xenófobo. El único que parecía calmarlo y comprender su ira era su jefe Bill Willoughby, quien antes de acabar con su vida le dejó una carta que lo transformó, desnudando su interior en una radiografía de su frágil personalidad. Al redimirse sin obtener respuesta de la justicia, Dixon que abusó de la ley con total impunidad, dejó la placa de policía porque se convenció que la justicia no funciona.

El álter ego de Ray (‘In Bruges’) es ese tipo de actor que sabes que viste en otras películas sin recordar cual, y que tiene más habilidad para la comedia que para el drama. Se robó el show, siendo el mejor personaje de la película, violento y patán que causó risa hasta sorprender su cambio de conducta y producir lástima por su estupidez e infantilismo justificado al estar a cargo de su madre, una anciana manipuladora y tan ignorante como él. Compite en la misma categoría que su compañero de equipo Harrelson, con posibilidades reales de ganar el galardón ya que ha obtenidos todos los premios importantes de la temporada.

* Por ver: ‘The Florida Project’, ‘All the Money in the World’, y ‘The Shape of Water’ (leído el guión).


MEJOR ANIMACIÓN


  • Coco, Ferdinand, Loving Vincent, The Boss Baby, The Breadwinner.

De los tres animados vistos, destacaré dos de ellos donde sus protagonistas son seres humanos: Uno es para el público adultos y el otro para todo público, uno es inspirado en el arte de una persona real ya fallecida y el otro en una tradición donde los muertos viven, uno llega por la técnica aplicada y el otro por las emociones dejadas.

Loving Vincent es un animado para adultos que destaca por el inmenso trabajo técnico realizado, es tan impresionante la inspiración (Vincent Van Gogh) que sus carencias argumentales se disipan sólo detallando los trazos, colores y el esfuerzo por darle vida a una buena historia carente de emoción.

Coco dirigida por Adrian Molina y Lee Unkrich (quienes además son los guionistas junto a Jason Katz y Matthew Aldrich), el musical está inspirada en el día de los muertos muy común en Latinoamérica, específicamente en México. Cuenta la historia de una familia que le tiene prohibido al adolescente Miguel que tenga contacto con la música, el chico insiste en querer ser como su cantante preferido Ernesto de la Cruz, hasta que al entrar inesperadamente a la Tierra de los Muertos descubre la verdad… Hay aventura, comedia, misterio y música, y difícilmente no se conmoverá hasta las lágrimas. Será la indiscutible triunfadora de la noche. Hermosa.

* Por ver: Ferdinand’ y ‘The Breadwinner’.


MEJOR EFECTOS VISUALES


  • Kong: Skull Island (2017), Guardians of the Galaxy Vol. 2 (2017), Blade Runner 2049 (2017), Star Wars: The Last Jedi (2017), War for the Planet of the Apes (2017).

Tanto las películas nominadas como otras que quedaron por fuera para esta categoría, han mostrado el avance de la tecnología en su máxima expresión, siendo mayor la dificultad de innovar, cada vez muestran perfección y belleza en la pantalla. Todo pareciera indicar que el ganador de esta categoría será Blade Runner 2049 (2017).


MEJOR MAQUILLAJE Y PEINADO


  • Darkest Hour (Kazuhiro Tsuji, David Malinowski, Lucy Sibbick), Victoria & Abdul (Daniel Phillips, Loulia Sheppard), Wonder (Arjen Tuiten).

Recordemos que esta categoría no se trata de cual película le hizo llorar más, reflexionar o divertirse, se trata del maquillaje y peinado, dos propuestas basadas en hechos reales y un personaje de ficción.

Y entre las tres candidatas, apuesto por el maquillaje de ‘Darkest Hour’ (Kazuhiro Tsuji, David Malinowski, Lucy Sibbick) porque Winston Churchill sólo hubo uno y tratar de buscar esa semejanza con el original considero que es más complicado que caracterizar al personaje de ficción Auggie Pullman que tiene el síndrome Treacher Collins (un trastorno craneofacial) visto en el extraordinario drama Wonder basada en el best-seller de R. J. Palacio.

“Wonder” no se basa en personas reales, su autor RJ Palacio dice que se inspiró para escribirlo por un encuentro casual que tuvo con una niña mientras estaba en una heladería con sus dos hijos. ‘Wonder’ author on her inspiration, meeting ‘Auggie Pullman come to life’

La transformación física y la caracterización de Gary Oldman es muy parecido a lo hecho para ‘La dama de hierro’ protagonizado por Meryl Streep, donde es una dupla inseparable que merece que gane el intérprete y quienes elaboraron la caracterización. En cuanto a Victoria & Abdul el personaje de Judi Dench no lo vi como una caracterización sino como una interpretación libre (y muy buena) de la reina Victoria, donde la actriz tiene cierto aire muy mejorada en comparación a la original. Es casi seguro que el equipo de ‘Las horas más oscuras’ se lleve el mejor maquillaje ya que la competencia es buena sin superar el realismo y veracidad de un personaje tan conocido.


CANCIÓN ORIGINAL


  • ‘Mystery of Love’ (Call Me By Your Name), ‘Remember Me’ (Coco), ‘Stand Up For Something’ (Marshall), ‘Mighty River’ (Mudbound), ‘This Is Me’ (The Greatest Showman).

Igual que el año pasado, sólo vi tres películas de las nominadas pero la diferencia es que en el 2017 sólo hubo cuatro largometrajes candidatos porque La La Land competía con dos canciones en la misma categoría. Y por muy contradictorio que parezca evaluar canciones de películas que no he visto, resulta que esta vez es fácil captar la esencia del largometraje viendo el video y comprendiendo la letra.

  • Call Me By Your Name: ‘El misterio del amor’ (Mystery of Love). Este tema es precioso, seduce la letra, la música y la voz, todo autoría del músico Sufjan Stevens. La letra está relacionada con la primera experiencia amorosa vivida por el adolescente Elio, protagonista de la película ‘Llámame por tu nombre’, quizás el párrafo final no lo encuentro acorde a la historia o la traducción de la letra no ayuda a comprender el significado y más cuando el personaje no se “ahogo en aguas vivas” por el contrario, la escena final en el fuego trata de significar que Elio mantendrá la llama del romance.

    Soundtracks

Película: ‘Call Me by Your Name’; canción: ‘Mystery of Love’; autor: Sufjan Stevens.

Oh, to see without my eyes

The first time that you kissed me

Boundless by the time I cried

I built your walls around me

White noise, what an awful sound

Fumbling by Rogue River

Feel my feet above the ground

Hand of God, deliver me

Oh, oh woe-oh-woah is me

The first time that you touched me

Oh, will wonders ever cease?

Blessed be the mystery of love

Lord, I no longer believe

Drowned in living waters

Cursed by the love that I received

From my brother’s daughter

Like Hephaestion, who died

Oh, ver sin mis ojos

La primera vez que me besaste

Inquebrantable para cuando lloré

Construí tus paredes a mi alrededor

Ruido blanco, que sonido tan horrible

Furtivamente por el río Rogue

Siente mis pies sobre la tierra

Mano de Dios, líbrame.

Oh, oh woe-oh-woah soy yo

La primera vez que me tocaste

Oh, ¿éstas maravillas alguna vez

cesarán?

Bendito sea el misterio del amor

Señor, ya no creo más

Me ahogo en aguas vivas

Soy maldito por el amor que recibo

De la hija de mi hermano

Como Hefestión, que murió.

  • Coco: ‘Recuérdame’ (Remember Me). El tema de principio a fin está relacionada con la historia, es emotivo y marca uno de los momentos más conmovedores de la película animada. Cuenta con la autoría de dos ganadores del Óscar, Robert Lopez y Kristen Aderson-Lopez, quienes son los artífices de la archi conocida canción “Let It Go” de ‘Frozen’ (2013). Si no gana el temazo ‘This Is Me’, pues espero que el triunfo sea para ‘Recuérdame’ otra de mis canciones preferidas. Dejo los videos de las dos versiones.

Película: Coco; canción: Recuérdame; autores: Robert Lopez & Kristen Aderson-Lopez.

Remember me

Though I have to say goodbye

Remember me

Don’t let it make you cry

For even if I’m far away I hold you in my heart

I sing a secret song to you each night we are apart

Remember me

Though I have to travel far

Remember me

Each time you hear a sad guitar

Know that I’m with you the only way that I can be

Until you’re in my arms again

Remember me

Recuérdame

Aunque tenga que decir adiós

Recuérdame

No dejes que te haga llorar

Que incluso si estoy lejos, te tengo en mi corazón

Canto una canción secreta para ti cada noche que estamos separados

Recuérdame

Aunque tenga que viajar lejos

Recuérdame

Cada vez que escuches una guitarra triste

Que sepas que estoy contigo de la única forma en la que puedo

Hasta que estés en mis brazos nuevamente

Recuérdame

  • Marshall: ‘Stand Up For Something’. Diane Warren (61 años) cuenta con nueve nominaciones al premio de la academia, esta vez por la música en el drama biográfico sobre Thurgood Marshall, la letra de ‘Marshall’ la compuso Common (46 años) quien lleva dos nominaciones y ya obtuvo el galardón por ‘Glory’ compuesta para la película ‘Selma’, el tema lo interpreta el propio Common y Andra Day. Si Warren no ganó con el temazo que compuso junto a Lady Gaga (The Hunting Ground, 2016), esta vez la competencia la hará aguardar hasta que logre triunfar en esta categoría. La letra corresponde fielmente a las motivaciones libertarias del protagonista.

    Soundtracks

    Película: Marshall; canción: Stand Up For Something; autores Common & Diane Warren.

    You can have all the money in your hands All the possessions anyone can ever have But it’s all worthless treasure, true worth is only measured

    Not by what you got, but what you got in your heart You can have, you can have everything What does it, what does it mean?

    It all means nothing If you don’t stand up for something You can’t just talk the talk You got to walk that walk, yes you do It all means nothing If you don’t stand up for something And I stand up for you And I stand up for you, yes I will, yes I will

    You do the best that, do the best that you can do Then you can look in the mirror Proud of who’s looking back at you Define the life you’re living Not by what you take or what you’re givin’ And if you bet on love there’s no way you’ll ever lose Take a stand, make a stand for what’s right It’s always worth, always worth the fight

    It all means nothing If you don’t stand up for something You can’t just talk the talk You got to walk that walk, yes you do It all means nothing If you don’t stand up for something And I stand up for you Stand for respect, dignity If that’s all you got, then you got all you need And without that, you don’t have a thing, oh, no, no

    Rise up, love, lift your hands I stand with you ‘cause I understand Ain’t here to judge, just to take a stand The greater plan’s the Creator’s plan Let’s all rise like the day began Reach out and touch with the Savior’s hand On rock, we stand like this native land Let the ways of love be the ways of man

    And it all means nothing If you don’t stand up for something You can’t just talk the talk You got to walk that walk, yes you do It all means nothing If you don’t stand up for something And I stand up for you (stand up, stand for you) I stand up for you (stand up) And I stand up for you (stand up, stand for you) Stand up for you, yes I will, yes I will (stand up)

    Puedes tener todo el dinero en tus manos Todas las posesiones que cualquiera puede tener Pero es todo un tesoro sin valor, el verdadero valor solo se mide

    No por lo que tienes, sino por lo que tienes en tu corazón Puedes tener, puedes tener todo ¿Qué lo hace, qué significa?

    No significa nada Si no defiende algo No puedes simplemente hablar la charla Tienes que caminar, sí lo haces No significa nada Si no defiende algo Y yo te defiendo Y yo te defiendo, sí, lo haré, sí lo haré

    Haz lo mejor que puedas, haz lo mejor que puedas hacer Entonces puedes mirar en el espejo Orgulloso de quién te está mirando Define la vida que estás viviendo No por lo que tomas o lo que estás dando Y si apuesta por el amor, no hay manera de que pierda Toma una posición, defiende lo que es correcto Siempre vale la pena, siempre vale la pena luchar

    No significa nada Si no defiende algo No puedes simplemente hablar la charla Tienes que caminar, sí lo haces No significa nada Si no defiende algo Y yo te defiendo Defender el respeto, la dignidad Si eso es todo lo que tienes, entonces tienes todo lo que necesitas Y sin eso, no tienes nada, oh, no, no Levántate, amor, levanta tus manos Estoy contigo porque entiendo No está aquí para juzgar, solo para tomar una posición El plan mayor es el plan del Creador

    Levantémonos como comenzó el día Alcanzar y tocar con la mano del Salvador En roca, nos paramos como esta tierra natal Deja que los caminos del amor sean los caminos del hombre

    Y todo eso no significa nada Si no defiende algo No puedes simplemente hablar la charla Tienes que caminar, sí lo haces No significa nada Si no defiende algo Y yo te defiendo (levántate, defiéndete) Yo te defiendo (levántate) Y yo te defiendo (levántate, defiéndete) Defiéndete, sí, lo haré, sí lo haré (de pie)

  • Mudbound: ‘Mighty River’. La novedad en esta categoría es que la ganadora de varios premios Grammy, Mary J. Blige, debuta en el premio Óscar como compositora del tema ‘Mighty River’, canta la canción, además actúa en la película ‘Mudbound’ (Netflix) y está doblemente nominada por canción original junto a Raphael Saadiq y Taura Stinson, y como mejor actriz de soporte. Ella ya es una ganadora. Hermoso tema que invita a la unión de los seres humanos indistintamente de su color de piel, porque todos estamos del mismo lado y el tiempo cura todo si con amor se vence al cáncer del odio.

Película: ‘Mudbound’; canción: Mighty River; autores: Mary J. Blige, Raphael Saadiq y Taura Stinson.

Life is a teacher, time is a healer

And I’m a believer like a river wild

Ego’s a killer, greed is a monster

But love is stronger, stronger than them all

White flag in hand

I don’t want to fight

No lines in the sand, I’m on your side

Invisible, no colour life

It’s time we put our, put our, put our differences aside

Time tells no lies

It keeps changing, and ticking, and moving, then passes by

But if you’re lucky it will be kind

Like a river flowing through time

(Like a river)

Let it wash you clean

(Like a river)

Going up stream

(Like a river)

Cutting through around

(Like a river)

‘Cause it never gives up

(Like a river)

So full of life

(Like a river)

Deep width like time

(Like a river)

That’ll wash away

(Like a river)

The pain from yesterday

Love is the answer, hate is a cancer

Hope of forgiveness it waters the soul

Our blood is red, we’re not so different

‘Cause underneath our skin we’re identical

White flag in hand

I’m not gonna fight

No lines in the sand, I’m on your side

Invisible, no colour life

It’s time we put our, put our differences aside

We know wrong from right

Time tells no lies

It keeps changing, and ticking, and moving, then passes by

But if you’re lucky it will be kind

Like a river flowing through time

(Like a river)

Let it wash you clean

(Like a river)

Going up stream

(Like a river)

Cutting through around

(Like a river)

‘Cause it never gives up

(Like a river)

So full of life

(Like a river)

Deep width like time

(Like a river)

That’ll wash away

(Like a river)

The pain from yesterday

(Like a river)

(Mighty river)

Rain down on me

(Like a river)

All it takes is time

(Mighty river)

To heal this bloodline

(Like a river)

Better wash me clean

(Mighty river)

Get this dirt off of me

(Like a river)

(Mighty river)

Let it wash you clean

La vida es un maestro, el tiempo es un sanador

Y yo soy un creyente como un río salvaje

Ego es un asesino, la codicia es un monstruo

Pero el amor es más fuerte, más fuerte que todos

Bandera blanca en mano

No quiero pelear

Sin líneas en la arena, estoy de tu lado

Invisible, sin vida de color

Es hora de poner nuestro, poner nuestro, poner nuestras diferencias a un lado

El tiempo no dice mentiras

Sigue cambiando, y haciendo tic-tac, y moviéndose, luego pasa por

Pero si tienes suerte, será amable

Como un río que fluye a través del tiempo

(Como un río)

Deja que te lave limpio

(Como un río)

Subiendo flujo

(Como un río)

Cortando a su alrededor

(Como un río)

Porque nunca se da por vencido

(Como un río)

Tan lleno de vida

(Como un río)

Ancho profundo como el tiempo

(Como un río)

Eso borrará

(Como un río)

El dolor de ayer

El amor es la respuesta, el odio es un cáncer

Esperanza de perdón, riega el alma

Nuestra sangre es roja, no somos tan diferentes

Porque debajo de nuestra piel somos idénticos

Bandera blanca en mano

No voy a pelear

Sin líneas en la arena, estoy de tu lado

Invisible, sin vida de color

Es hora de que pongamos nuestra, poner nuestras diferencias a un lado

Sabemos mal de la derecha

El tiempo no dice mentiras

Sigue cambiando, y haciendo tic-tac, y moviéndose, luego pasa por

Pero si tienes suerte, será amable

Como un río que fluye a través del tiempo

(Como un río)

Deja que te lave limpio

(Como un río)

Subiendo flujo

(Como un río)

Cortando a su alrededor

(Como un río)

Porque nunca se da por vencido

(Como un río)

Tan lleno de vida

(Como un río)

Ancho profundo como el tiempo

(Como un río)

Eso borrará

(Como un río)

El dolor de ayer

(Como un río)

(Río poderoso)

Llover sobre mí

(Como un río)

Todo lo que se necesita es tiempo

(Río poderoso)

Para sanar este linaje

(Como un río)

Mejor lávame limpio

(Río poderoso)

Quítate esta suciedad de encima

(Como un río)

(Río poderoso)

Deja que te lave limpio

  • The Greatest Showman: ‘This Is Me’. Benj Pasek y Justin Paul saben cual es el truco para que una canción tenga vida propia sin despegarse del argumento de la película y de los personajes, ya lo hicieron el año pasado destacando el contexto en ‘City of Stars’ y esta vez con ‘This is me’ que combina perfecto letra, música y ritmo de forma reflexiva, motivacional y entusiasta, e interpretada maravillosamente por Keala Settle. En esta contienda esta canción es mi preferido, de no ganar este tema ojalá gane ‘Recuérdame’ de ‘Coco’.

Soundtrack

Película: El gran showman; canción: This Is Me; autores: Benj Pasek & Justin Paul.

I am not a stranger to the dark

Hide away, they say

‘Cause we don’t want your broken parts

I’ve learned to be ashamed of all my scars

Run away”, they say

No one’ll love you as you are

But I won’t let them break me down to dust

I know that there’s a place for us

For we are glorious

When the sharpest words wanna cut me down

I’m gonna send a flood, gonna drown them out

I am brave, I am bruised

I am who I’m meant to be, this is me

Look out ‘cause here I come

And I’m marching on to the beat I drum

I’m not scared to be seen

I make no apologies, this is me

Oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh-oh

Oh-oh-oh, oh-oh-oh, oh-oh-oh, oh, oh

Another round of bullets hits my skin

Well, fire away ‘cause today, I won’t let the shame sink in

We are bursting through the barricades

And reaching for the sun

(We are warriors)

Yeah, that’s what we’ve become

(Yeah, that’s what we’ve become)

Won’t let them break me down to dust

I know that there’s a place for us

For we are glorious

When the sharpest words wanna cut me down

No soy un extraño para la oscuridad

Escóndete, dicen

Porque no queremos tus partes rotas

He aprendido a avergonzarme de todas mis cicatrices

Huye, dicen

Nadie va a amarte como eres

Pero no dejaré que me rompan a polvo

Sé que hay un lugar para nosotros

Porque somos gloriosos

Cuando las palabras más agudas me quieran cortar

Enviaré una inundación, las ahogaré

Soy valiente, tengo moretones

Soy quien estoy destinado a ser, este soy yo

Mira alrededor, porque ahí vengo

Y estoy marchando a mi propio ritmo

No tengo miedo de ser vista

No me disculpo, esta soy yo

oh-oh-oh-oh)

oh-oh-oh-oh)

oh-oh-oh-oh)

oh-oh-oh-oh)

Oh-oh-oh-oh Oh-oh-oh-oh Oh-oh-oh

Otra ronda de balas golpea mi piel

Bueno, dispara porque hoy, no dejaré que la vergüenza me hunda

Estamos estallando a través de las barricadas

Y buscando el sol

(Somos guerreros)

(Sí, eso es en lo que nos hemos convertido)

(Sí, eso es en lo que nos hemos convertido)

No dejaremos que nos vuelvan polvo

Sé que hay un lugar para nosotros

Porque somos gloriosos

Cuando las palabras más agudas me quieran cortar


MEJOR BANDA SONORA

  • Dunkerque (Hans Zimmer), The Shape of Water (Alexandre Desplat), Star Wars: Los últimos Jedi (John Williams), Phantom Thread (Jonny Greenwood), Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Carter Burwell).

Alexandre Desplat (The Shape of Water) nueve veces nominado y ganador de un premio de la academia por The Grand Budapest Hotel (2014).

Carter Burwell (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) en su segunda nominación al premio de la academia.

Soundtrack

Hans Zimmer (Dunkerque), en su nominación nº 11 y con un premio Óscar por la banda sonora de The Lion King (1994).

John Williams (Star Wars: Los últimos Jedi) es el veterano del grupo con más de cincuenta nominaciones al premio de la academia, candidato tres y dos veces por distintas películas en el mismo año, y ganador de cinco premios Óscar por Fiddler on the Roof (1971), Jaws (1975), Star Wars (1977), E.T. the Extra-Terrestrial (1982) y Schindler’s List (1993).

Jonny Greenwood (Phantom Thread) es el novato del grupo en su primera nominación al premio de la academia.

Soundtracks

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Lady Bird (2017)

Lady Bird (2017)

Lady Bird

[Lady Bird, 2017]

Guion y dirección: Greta Gerwig (Nights and Weekends, Frances Ha, Mistress America).

Elenco: Saoirse Ronan (Christine “Lady Bird” McPherson), Laurie Metcalf (Marion McPherson), Lucas Hedges (Danny O’Neill), John Karna (Greg Anrue), Beanie Feldstein (Julie Steffans), Tracy Letts (Larry McPherson), Timothée Chalamet (Kyle Scheible), Danielle Macdonald (Another Young Lady), Bayne Gibby (Casey Kelly), Odeya Rush (Jenna Walton), Kathryn Newton (Darlene Bell), Jake McDorman (Mr. Bruno), Daniel Zovatto (Jonah Ruiz), Laura Marano (Diana Greenway), otros.

¡Acción! [spoiler]↵

Año 2002/2003, Sacramento (California). Todavía bajo los efectos del 11 de septiembre de 2001, conoceremos las inquietudes adolescentes de Christine McPherson (Saoirse Ronan) quien en su último año de secundaria en el instituto Católico Inmaculado Corazón. Sueña vivir en la costa Este y entrar a una universidad fuera de esa ciudad pese a su regular rendimiento escolar, limitada condición económica y las realistas sugerencias de su madre (Laurie Metcalf).

“La forma en que trabajas, o la forma en que no trabajas, ni siquiera vales la matrícula estatal, Christine.”

Cuando al espectador ya le pasó la adolescente hace rato, sólo se puede observar este tipo de películas a través del recuerdo y la nostalgia (deténgase a observar el vestuario de aquella época y busque sus fotos), y comparará a los personajes con la cercanía que se tenga con los púberes. Muchos adultos conviviendo con ellos, no tienen esa intuición de captar realmente lo que a esa edad se requiere, por lo general los padres piensan que cubrir las necesidades básicas es más que suficiente, fallando en la comunicación efectiva y afectiva, sólo viven el día a día sin profundizar en los valores que le van a heredar. Sí, a esa edad los adolescentes se creen muy sabelotodo y el adulto por momentos le cuesta reaccionar por no saber si reprocharle o enternecerse, si aconsejarle o ser su cómplice, si disciplinar o alcahuetear, si discutir o amigarse; sí, el adulto también debería hacer un mea culpa porque a fin de cuenta es su responsabilidad educarlos a costa de lo que sea.

¿No crees que son la misma cosa?

¿Amor y atención?

En el cine hemos visto padres de todos los estilos, por suerte a la imperfecta Marion McPherson no se le puede juzgar por ser una madre irresponsable, insensible y explotadora como Lavona Harding (Allison Janney), lo que sí es una madre mucho más común a la realidad que a la ficción, y al detallarla muchos hijos verán reflejada a su progenitora. Y Christine no es la Toya Harding sometida por una madre despiadada, ella tiene una fortaleza interna que la hace proyectarse a futuro siempre enfocada en su egocentrismo y aires de grandeza sin alevosía. Ninguna de las cuatro, madres e hijas, son ejemplares. Al parecer nadie lo es.

En esa elaboración cotidiana de los personajes, su autora Greta Gerwig se anota puntos a favor, considerando que el séptimo arte muestra más la pubertad masculina desde la superficialidad y sin ahondar seriamente en las relaciones y sus experiencias con el alcohol, las drogas y el sexo; por el contrario, siendo menos frecuente ver retratada la adolescencia femenina en ellas se tiende a abordar este subgénero, desde una perspectiva dramática quizás con pizca de humor sin perder el fondo aleccionador aún en personajes transgresores: Yo, Cristina F. (drama, 1981), Thirteen (drama, 2003), La vida de Adèle (drama, 2013), The Fault in Our Stars (drama, 2014), The Diary of a Teenage Girl (drama, 2015), Divines (drama, 2016), The Edge of Seventeen (comedia dramática, 2016), por mencionar sólo algunas de los largometrajes importantes que retratan esa etapa de la vida donde se requiere adultos responsables que orienten, indaguen, escuchen y se ocupen de las necesidades de sus representados.

Lady Bird (2017) - Christine & Julie (obleas)‘Lady Bird’ es la más reciente de este grupo sin la feminidad gráfica de algunas, sin la tragedia de otras o la vacuidad del resto, es una sutil transgresión intermedia que pasa desapercibida por no ser vulgar. Su autora abordó la fortaleza de la mujer desde temprana edad, interpretándose desde su protagonista con esa desinhibición elegante y no católica de una joven de 17 años de edad para tratar temas íntimos como la autoestimulación y la interrupción del embarazo. Porque el ego y la autoestima de Christine está por encima de la percepción que los demás puedan tener de ella, por eso carece de pudor en ir por lo que quiere, sea chicos o la universidad en Nueva York.

ACTRICES

(La película se filmó en el año 2016, las edades de las actrices corresponde a esa fecha).

PERSONAJES

Lady Bird (2017) - Laurie Metcalf es Marion McPherson.

La actriz Laurie Metcalf (61 años) tiene una amplia trayectoria en series de televisión (que no he visto), poco cine, y mucho talento, de hecho todas sus escenas son creíbles, naturales y sin esfuerzo.

Marion McPherson (Laurie Metcalf) está casada con Larry (50 años) un buen hombre depresivo con quien tiene dos hijos, Christine (17 años) y Miguel (22 años). Clase social media –baja, se traslada en su Toyota Corolla 1994 al hospital psiquiátrico donde es enfermera. Es de fuerte carácter, imponente, responsable, protectora, tiene el control de todo. Su imperfección como progenitora pareciera mejor que el de su alcohólica madre. Ella es directa al hablar quizás lastima con ácido humor a su sensible hija adolescente, a su vez la ayuda, le cose sus vestidos, la disciplina y le enseña a dar valor a las cosas.

Lady Bird (2017) - Saoirse Ronan es Christine McPherson

Para el año 2016 la irlandesa nacida en Estados Unidos, Saoirse Ronan, tenía 22 años, y aunque su carrera comenzó antes de ‘Atonement’ (2007) es en esa película que muchos sabemos de su existencia en la actuación.

Su recorrido ha sido constante y puntual, repartiendo su talento por todos los géneros cinematográficos, ‘Desde mi cielo’ (2009), ‘The Way Back’ (2010), ‘Hanna’ (2011), ‘The Grand Budapest Hotel’ (2014), ‘Brooklyn’ (2015) y ‘Loving Vincent’ (2016), entre otras.

Para esta propuesta más juvenil, su reto debió ser el acento norteamericano, mantener la chispa de esa edad y manejar la comedia y el drama sin sobreactuar.

La autodenominada “Lady Bird” es una arrolladora adolescente de 17 años, que vive con sus padres, hermano (adoptivo) y cuñada. Es idealista, sin habilidades para las matemáticas y tampoco para la religión (no es católica), con cierta tendencia al histrionismo; gusta de llamar la atención y su ímpetu de crecimiento está por encima de sus posibilidades reales, mas, sigue fantaseando en algo mejor. No es lo único que le preocupa mientras está en Sacramento. Encara a los chicos que les gusta, así sufra decepciones amorosas, el primero de ellos un muchacho ejemplar, Danny O’Neill (Lucas Hedges), de buena familia, educado y respetuoso, quizás demasiado respetuoso (resultó ser gay). La pajarraca rosada es sensible, capaz de disculpar, y tan segura de sí misma que se enfoca en un nuevo objetivo: el bajista Kyle Scheible (Timothée Chalamet), con más experiencia y con tufito a patán. Para conquistarlo necesitó encajar en otro grupo, el de la popular ricachona Jenna Walton (Odeya Rush) así deba deja de lado a su fiel amiga Julie Steffans (Beanie Feldstein), la gordita simpática con quien come obleas a la par que hablan del placer femenino. Cuando alcanzó otra de sus metas biológicas, sufrió un nuevo desengaño romántico que le arrebató un lindo momento. Ser parte de las populares y encajar con gente que no es afín, la hace recapacitar y retomar su antigua amistad. El siguiente paso después de graduarse, es cumplir 18 años, sacar el carnet de conducir e irse de casa rumbo a la universidad de Nueva York, en contra de su protectora y ofendida madre (Laurie Metcalf) con quien discutió más de una vez por diversos motivos, pero a quien ama y extraña tanto como aquel lugar del cual renegaba.

Si no lo sabía…

En el guión se especifica que Miguel es adoptado, que Christine no es católica, y se entiende porqué la simpática amiga de ‘Lady Bird’ acompañaba desconsolado a su amiga cuando ésta descubrió que su novio no era lo que aparentaba, no sólo era por solidaridad, es que el chico con quien estaba Danny flirteaba con ella.

Lady Bird (2017) - Christine & Julie

INT. DINER. NIGHT.

The entire cast and crew is there, enjoying their opening night, eating a lot of chicken fingers and french fries. They are being silly and playing a Broadway trivia game. Lady Bird and Danny make towers with the sugar packets. Julie and Greg hang out together: they’re both the “extra” friends. Everyone is giddy and happy.

INT. DINER GIRLS BATHROOM. NIGHT.

Julie and Lady Bird wait for the stalls to open up.

LADY BIRD

HOW LONG DO YOU THINK YOU ALL WILL

BE I DRANK SO MUCH SODA!

STALL WOMAN (O.S.)

Fuck you.

CHORUS MEMBER (O.S.)

I just got my period!

LADY BIRD

Goddamn it!

Lady Bird leaves.

JULIE

Where are you going?

47.

LADY BIRD

There’s never a line in the men’s room!

INT. MEN’S ROOM. NIGHT.

Lady Bird opens the door and opens a stall and there, in front of her: Danny and Greg making out hard. Julie comes tumbling in from behind.

INT. JULIE’S ROOM. JULIE’S HOUSE. NIGHT.

They both cry. They listen to “Crash Into Me” by Dave Matthews and sob.

The song ends and Lady Bird starts it over.

Un detalle menos: El yeso. Esto sólo le importa a quien redacta esta reseña (es decir, yo). No pude concentrarme esperando una reacción de la actriz con respecto al brazo enyesado que duró media hora en la película, sólo me fijaba en cómo saludaba, se despedía, escribía, se lanzaba encima del mostrador del supermercado, todo con la mano enyesada. No sé si sea responsabilidad de Gerwig o de Ronan (23 años) pero ¿se daría cuenta que Christine ‘Lady Bird’ usaba el yeso en el brazo como si no le hubiera pasado nada? Gerwig siendo actriz, sigo sin comprender por qué le dio tan poco valor al uso del yeso, porque en el guión no había ninguna acotación de dolor o incomodidad por eso, y todo elemento que se use en escena tiene importancia y modifica al personaje. No lo consideraron ni ella como actriz, guionista y directora, y ni siquiera la protagonista quien actuó como si no lo tuviera, sin una mueca de incomodidad usaba ese brazo. Esa fractura le habría servido para aportarle más detalles graciosos a la construcción del personaje, que de por sí es muy creíble.

Ejemplificando con una de las películas nominadas al premio de la academia, en ‘Three Billboards outside Ebbing, Missouri’ el odontólogo le aplicó anestesia a Mildred en la muela (antes que ella le taladrara el dedo a él). En la siguiente escena ella en su trabajo tenía anestesiado la muela y se le dificultaba hablar con el comisario causando gracia porque no podía negar lo que había hecho al dentista. Si el guionista y director omitía el hecho anterior, el público no lo habría recordado porque podría suponer que se le pasó el efecto de la anestesia, pero Martin McDonagh agregó ese hecho porque lo usaría para modificar y evidenciar a la protagonista, jugó con eso, para darle más herramientas graciosas a la actriz.

Las acciones que modifican al personaje.

Lady Bird

  • Se lanza del auto, se fractura una mano.

Lady Bird (2017) - Christine - yeso

Three Billboards outside Ebbing, Missouri.

  • El doctor le anestesia la muela.

Tres carteles afuera - Mildred

Guión:

They slow for a stop light and Lady Bird dramatically opens the door and rolls out of the car. Marion screams.

5.

INT. IMMACULATE HEART OF MARY. DAY.

Close on a cast. In very small letters is written “fuck you, mom.” The cast belongs to Lady Bird. She follows along with

the mass.

Página 50 (30 minutos después)

INT. DOCTOR’S OFFICE. DAY.

Lady Bird gets her cast off with a saw. Marion watches.

The doctor throws the cast in the trash. She is mournful.

Guión:

INT. GIFT SHOP – DAY 31

DENISE behind counter, MILDRED arranging knickknacks. Cop car pulls up, lights flashing. WILLOUGHBY and DIXON enter.

20.

WILLOUGHBY

Hey there, Mildred! You didn’t happen to pay a visit to the dentist today, did ya?

MILDRED’s dialogue hereon is thru a totally unintelligible, Novocained mouth.

MILDRED

(unintelligibly)

No.

WILLOUGHBY

Huh?

MILDRED

(unintelligibly)

Said ‘No’.

WILLOUGHBY

Oh. So it wasn’t you who drilled a little hole in one of big fat Geoffrey’s big fat humbnails, no?

MILDRED

(unintelligibly)

Of course not.

WILLOUGHBY

Huh?

MILDRED

(unintelligibly)

I said “Of course not.”

DENISE

You drilled a hole in the dentist?

MILDRED

(unintelligibly)

No, Denise, I didn’t.

DENISE

Huh?

WILLOUGHBY

Well, I thought it was kinda funny myself, but he wants to press charges, so we’re gonna have to bring you in, I’m afraid.


RUMBO AL OSCAR


Expuesto 2.3.18

Y llegó a la cartelera nacional la séptima película de las nueve nominadas en la máxima categoría (película, dirección, guión original, actriz principal, actriz de soporte), los dos largometrajes que faltan no se estrenaran en Venezuela (‘Tres carteles afuera de Ebbing, Missouri (2017)’ y ‘The Shape of Water’).

Vista la película a principio del año y leído el guión, la conclusión quedó resumida hace semanas en la sección Rumbo al Premio Oscar 2017 – 2018, que copio y pego en este post con ciertas modificaciones.

¿Sacramento, Christina, catolicismo? Partamos de la base del guión de Greta Gerwig (34 años), un texto de estructura sencilla, lineal, sin complicaciones y donde el valor recae en el contexto que Christine rechaza. No muy original en cuanto a narrar en una comedia dramática el crecimiento a la madurez, con sus respectivos miedos y conflictos existenciales en esa complicada etapa: mamá, novios, amiga, estudios, pero es un relato sincero de la adolescencia femenina, de allí su valor, identificación y trascendencia. Sin abandonar las dolencias masculinas en algunos chicos que temen salir del closet y aquellos insensibles que no cuentan con herramientas para comprender la vulnerabilidad de la mujer en su primera vez.

Al finalizar de ver la película, la impresión que dejó es que Gerwig tenía todo claro desde el guión, y eso la empoderó para trasladar el texto a la pantalla: las locaciones, lo que quería aprovechar de las actrices, lo que quería consolidar de la relación madre e hija y lo que quería sutilmente criticar (catolicismo y humanización del cura, sexo, aborto).

La actriz, guionista y directora retomando aspecto afines a su juventud (negando que es autobiográfico), con ‘Lady Bird’ incursionó en su segunda película dirigida y su primer largometraje escrito sólo por ella habiendo participado como co-autora en otras cinco películas. Debutando en su primera nominación al premio Óscar en dos categorías, siendo una de las pocas mujeres que ha logrado entrar en competencia, salvo que ahora las féminas cuentan con el empuje del movimiento ‘Time’s Up’. Ojalá resulte y esto sirva de incentivo para que puedan competir otras directoras y guionistas.

En cuanto a las actrices, Laurie Metcalf (62 años) en su primera nominación al Óscar interpreta a Marion McPherson madre de una rebelde hija que no sabe cómo controlar, una típica mujer que se hace cargo de todo, que tiene un pasado tormentoso y probablemente esas taras afecte su relación con su hija. Y aunque suena gracioso como trata a Christine, es cruda en lo que le dice, quiere lo mejor para ella pero la subestima, le da lo que puede sin escuchar sus demandas.

La más pequeña del grupo de nominadas es Saoirse Ronan (23 años) quien ya cuenta con su tercera nominación al premio Óscar, esta vez por Christine ‘Lady Bird’ McPherson en ‘Lady Bird’. La adulta Ronan haciendo un personaje de adolescente rebelde, sin caer en el estereotipo de alcohol y drogas (aunque tomó y fumó…), es una chica soñadora experimentando hasta transitar la mayoría de edad, las responsabilidades, la adultez. Muy parecido a lo hecho con la inmigrante Eilis en ‘Brooklyn’, sólo que más atrevida, urbana y contestataria, llevando a la actriz a otros lugares poco vistos en su carrera (comedia) y manteniendo la elegancia.

Objetivamente, no le veo chance al talentoso grupo de mujeres de ganar premios (veremos si hay sorpresas), y para la autora de este nostálgico relato, será un buen recuerdo ser una de las pocas afortunadas de competir con cuatro directores, tres de ellos de extensa trayectoria..

Estreno en Venezuela: 2.3.18

Vista: 2.1.18

Nominaciones: Critics Choice de 8/0, Globo de Oro de 4/2, SAG de 3/0, BAFTA de 3/0, Óscar de 5/?

Premio Oscar (?/5): (película, director, guión original, actriz principal, actriz de soporte).

Ver también

  • [Sript] ‘Lady Bird’. [PDF]

EDITADO


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Tres carteles afuera de Ebbing, Missouri (2017)

Three Billboards Outside Ebbing Missouri[Three Billboards Outside Ebbing, Missouri]

Guión y dirección: Martin McDonagh (In Bruges, Seven Psychopaths).

Elenco: Frances McDormand (Mildred Hayes), Woody Harrelson (Bill Willoughby), Sam Rockwell (Dixon), Caleb Landry Jones (Red Welby), Darrell Britt-Gibson (Jerome), Abbie Cornish (Anne), John Hawkes (Charlie), Lucas Hedges (Robbie Hayes), Peter Dinklage (James), Sandy Martin (mamá de Dixon), Zeljko Ivanek (Sargento Desk), Kerry Condon (Pamela), Riya May Atwood (Polly), Selah Atwood (Jane)…

¡Acción! [spoiler]

Actualidad. Ebbing, Missouri. Mildred Hayes (Frances McDormand) pierde a su hija en un asesinato y pasado siete meses todavía no se ha hecho justicia, por lo que se le ocurre llamar la atención alquilando tres vallas en la carretera, y cada uno de los carteles produce un efecto directo, señalando el hecho, la consecuencia y a uno de los responsables de que el caso aún siga impune.

“¿Es porque Dios no existe, el mundo está vacío y no importa lo que hagamos?”

En la universalidad del odio y de la violencia, cada vez es más inexistente el respeto al ciudadano de la misma manera que hay irrespeto por la autoridad, y una madre coraje, grosera, incorrecta, arrastrando la culpa como Mildred, se enemista con la gente del pueblo por su “insensibilidad” al dirigir los tres anuncios contra el moribundo y querido por todos, el comisario Bill Willoughby (Woody Harrelson). Como parte de su dolor y defensa discutió y agredió al policía Dixon (ley), al cura (dios), al dentista, a los compañeros de clases de su hijo, a la estación policial, y hasta el pequeño enamorado se sintió ofendido por ella.

Los más puristas del género thriller pueden decepcionarse de una vez porque el crimen cometido es sólo una excusa para desenmarañar las relaciones humanas entre seres que se topan con frecuentes casualidades en un pueblo pequeño, infierno grande. Olvídese de los procedimientos judiciales, juicios, abogados defensores, incluso, olvídese del criminal y sólo confórmese con saber que una adolescente fue abusada y asesinada, y su madre es la única interesada porque se haga justicia.

Tiempo y casualidades

Para quienes prefieren ver en pantalla que se aclare el paso del tiempo en la trama o que algún personaje haga notar que transcurrieron días, semanas o meses, y también para aquellos que les da flojera suponer que la dinámica de algunos directores es pasar por alto lo que se supone está evidenciando las imágenes (a veces resulta), acá dejo algunos momentos:

  • Mildred cuando fue entrevistada para un canal de tv local, respondió a la periodista que ella alquiló las vallas porque hace siete meses atrás su hija fue secuestrada, violada y asesinada. Cuando discutió con su ex esposo, Mildred le aclaró que las vallas son para que la policía se centre en su trabajo (en vez de estar persiguiendo y torturando negros y latinos) porque en siete meses no ha sabido nada de ellos.
  • Al inició cuando Mildret iba por la carretera y vio las vallas viejas y desgastadas, usaba el cabello largo (cuando alquiló las vallas ya tenía el cabello corto), el mismo look usado en el flashback de hace diez meses cuando discutió con su hija porque no le prestó el auto. En ese percance entre madre e hija, Angela le dice que espera que la violen, la mamá responde que también lo espera. Y así sucedió.

Película (flashback): [00:35:01,891 – 00:35:08,707]

-¡Voy a caminar! ¿Y sabes qué? ¡Espero que me violen en la carretera!
-¡Sí, bueno yo también lo espero!
  • Desde que alquila las vallas, pasa un mes (00:47 min) y Mildred debe volver a cancelar porque según Red ahora debe pagar una renta mensual (sumaría ocho meses desde el asesinato de su hija, pero en el guión se acota que en el flashback transcurrieron diez meses).

Guión (pág. 29): EN T. CASA DE MILDRED, COCINA – DÍA FLASHBACK. Hace diez meses. MILDRED lava los platos. Dibujo de ROBBIE, ANGELA vestida para salir.

  • Sí, cuesta creerse los cambios temporales sobre todo en los cuarenta minutos finales cuando al ex policía Dixon le pasa de todo: Del hospital con quemaduras de segundo y tercer grado, debemos suponer que pasan unas semanas y ya el hombre está en un bar donde un delincuente (con poder) le da una paliza.

Guión (pág. 72): EXT. CARTELERA ROAD – ATARDECER Algunas semanas más tarde. Una noche gris y ventosa. (…)

  • En la carta que le dejó el comisario Bill Willoughby a Mildred, le dijo que “hay algunos casos donde nunca tienes suerte. Luego cinco años después alguien escucha a otra persona alardear sobre el caso en un bar o una celda de prisión y todo está envuelto en pura estupidez.” Nueve o diez meses después del asesinato de Angela, en un bar el desempleado Dixon oye a un hombre (el mismo que entró a la tienda de regalos para amenazar a Mildred), que confesó a un amigo que fue un salvaje cuando abusó sexualmente de una chica.

Guión (pág. 73):

INT. BAR – NIGHT 111 Murmured conversation behind DIXON as he peels the label off his beer.

CROP-HAIRED GUY (O.S.) It was fucking wild, man, I think I was certifiably fucking insane for a while back there.

PAL (O.S.) When was this?

CROP-HAIRED GUY (O.S.) Bout nine, ten months ago.

PAL (O.S.) Were you on your own or what?

Este largometraje como drama también dejará insatisfecho a los más llorones, porque hay supuestas incongruencias que desestabilizan una convencional lógica narrativa, por lo que sugiero divertirse sin complejo con esta propuesta, entendiendo que es una tragicomedia que apunta más a la comedia negra, en dos horas de absurdos bien concatenados (puntos positivos para la edición y montaje) donde el crimen cometido es brutal pero cuesta conectar con las emoción de los personajes porque lo único humano en ellos es la dualidad de pasar con facilidad del bien al mal y viceversa, por eso hay pocas escenas dolorosas que sin restarle el disfrute pierden empatía e identificación cercana o lejana que se pueda tener con los personajes, por ejemplo, cuando Mildred víctima de violencia de género es atacada por el ex esposo, y la primera reacción del espectador es aliarse con la víctima, minutos después se descomprime la escena con las manos entrelazadas con el gesto de cariño entre ex esposos. Y así como esa escena, otras que no llegan a conmoverte por el constante sarcasmo.

Ojo por ojo

Al no haber justicia, ni leyes, el irrespeto, la agresión, el odio y la venganza se naturaliza:

  • Mildred buscando justicia se vengó denunciando a la autoridad del pueblo a través de los avisos y rematando la acción con la entrevista de televisión. Posteriormente cuando las vallas han sido quemadas, amenazó al nuevo comisario, y al día siguiente lanzó cuatro bombas molotov a la comisaria (y no pagó cárcel por ello).
  • Dixon al no poder hacer que las vallas sean quitadas y por influencia de su madre, abusando del poder se vengó de Mildred encarcelando a Denise su compañera de trabajo; al suicidarse su jefe y amigo, se vengó directamente del encargado de cobrar las vallas propinándole una paliza a plena luz del día (una escena convincente porque no pagó cárcel por ello, un retrato fiel de la realidad, y si no lo creen busquen videos de casos aún más impunes sucedidos en Venezuela).
  • Charlie ex esposo de Mildred, se vengó dos veces de su ex. Primero le dijo que su hija quería mudarse con él por los conflictos con ella y de haber aceptado su hija estuviera viva. Y después le confesó que fue él quien quemó las vallas.
  • Ya para el final, en la calma de la carretera, Mildred y Dixon dudan si harán lo que tienen en mente, en otra instancia de sus vidas ¿actuarían violentamente por venganza, evaluarían otras alternativas o se dejarían vencer por el sistema?.

Tres vallas, tres personajes destacados, tres cartas de despedida y tres de mis escenas preferidas:

1.- Logradísimo y violento el plano secuencia: El oficial Dixon “cumpliendo con su deber de ayudar a la gente’, sale directo a la agencia de publicidad que queda al frente, rompe la puerta de vidrio, sube las escaleras, golpea al encargado, lo lanza por la ventana, golpea a la empleada, baja las escaleras y remata con patadas al hombre. Entra a la policía como si cumplió una larga jornada de trabajo. (Genial)

2.- Y casi perfecta la escena en tres acciones simultaneas: Mildred frente a la estación de policía (sin policías de guardia), con cuatro molotov lanzándolas una por una, mientras, dentro de la comisaría estaba Dixon con los audífonos puestos concentrado leyendo la carta que le dejó su amigo (poco creíble que no oiga el ruido), ambientado con la música del inicio de la película combinada con la voz en off de Willoughby, sólo faltó lo que habría convertido a la escena en gloriosa, ver a Dixon conmovido hasta las lágrimas (y con él los espectadores) y eso no pasó si bien el guión daba esas acotaciones.

Tercera carta de despedida.

De Bill Willoughby a Dixon

Guión págs. 62 – 65

Carta:

INT. POLICE STATION – NIGHT DIXON in the dark, empty station with a flashlight, eating Doritos, headphones on, looks at the “OFFICER JASON DIXON” envelope on his desk, beside Angela’s file. He opens it. WILLOUGHBY (V.O.) Jason, Willoughby here. I’m dead now, sorry about that, but there’s something I wanted to say to you that I never really said when I was alive. I think you’ve got the makings of being a really good cop, Jason, and you know why? Because, deep down, you’re a decent man. I know you don’t think I think that, but I do, Dipshit. You play hopscotch when you think no-one’s looking, for Christ’s sakes… I do think you’re too angry, though,.. …And I know it’s all since your dad died and you had to go look after your Mom and all… INT. POLICE STATION, MAIN ROOM – CONTINUOUS

DIXON walking around the station, reading tearfully. Passes

DESK SERGEANT’s desk, as phone starts ringing again. He still can’t hear it. After five or six rings it stops.

WILLOUGHBY (V.O.) …A Detective. Cos you know what you need to become a detective? And I know you’re gonna wince when I say this… …But what you need to become a detective… is Love.

DIXON winces.

Because thru Love comes Calm, and thru Calm comes Thought. And you need Thought to detect stuff sometimes,Jason. It’s kinda all you need. You don’t even need a gun. And you definitely don’t need Hate. Hate never solved nothing… INT. POLICE STATION – CONTINUOUS 95 DIXON is wrapped up in the letter, chewing his fingernails, flames leaping behind him… WILLOUGHBY (V.O.) But Calm did. And Thought did. Try it. Try it just for a change. No-one’ll think you’re gay. And if they do, arrest ‘em for homophobia! Won’t they be surprised! Good luck to you, Jason. You’re a decent man, and yeah you’ve had a run of bad luck… …But things are gonna change for you… I can feel it. …and IN NORMAL SPEED, SMASHES IN THRU DIXON’S WINDOW…

“Jason, te escribe Willoughby. Estoy muerto ahora, lamento eso. Hay algo que quiero decirte que nunca te dije mientras vivía. Creo que tienes talento para ser un policía muy bueno, Jason. ¿Y sabes por qué? Porque en lo profundo de tu corazón, eres un hombre decente. Sé que crees que me lo estoy inventando, pero no, estúpido. Sí sé que estás muy enojado. Y sé que desde que murió tu padre tienes que cuidar a tu madre. Pero mientras sigas albergando tanto odio, entonces creo que nunca serás capaz de convertirte en lo que sé que quieres llegar a ser: Un detective. ¿Sabes lo que necesitas para ser un detective? Y sé que harás una mueca cuando te diga esto… Lo que necesitas para ser un detective… Es amor. Porque a través del amor, viene la calma. Y a través de la calma viene el pensamiento. Y necesitas pensamiento para detectar cosas a veces, Jason. Eso es todo lo que necesitas. Ni siquiera necesitas una pistola. Y definitivamente no necesitas odio. El odio nunca puede resolver nada. Pero la calma sí. Y el pensamiento también, inténtalo. Inténtalo sólo para variar. Nadie pensará que eres gay. Y si hay alguno, arrestarlos por homofobia. No se sorprenderán. Buena suerte, Jason. Eres un hombre decente, y sí, tuviste mala suerte. Pero todo cambiará para ti, puedo sentirlo.”

3.- Posteriormente en una sencilla escena entre Dixon y Red encontrándose heridos en el hospital, se alcanzó a conectar emocionalmente con la situación, sentir empatía por ambos personajes y entender el mensaje, quizás una de las pocas escenas que consiguió emocionar porque no hubo distracciones de humor negro, ni escenas paralelas.

¿Se logró el objetivo de las vallas?

Tres carteles afuera

Sin pretender hacer un análisis de marketing y publicidad, y partiendo de la base que esta película se dispersa en los géneros cinematográficos, sería un buen ejercicio para cualquier estudiante de comunicación social o publicidad, descubrir los aciertos y desaciertos en alquilar un costoso medio exterior en una carretera que pocos transitan, donde en la agencia de publicidad el responsable de guiar a la cliente lo único que sabe es cobrar por tres vallas.

Como el interés no es vender ni promocionar un producto comercial donde se busca una ganancia económica, el mensaje propagandístico vende una idea personal en tres partes extendiendo la crítica reflexiva al sistema policial, penal y a todo lo que compete la justicia.

“Violada mientras moría”

“¿Aún ninguna detención?”

En fondo rojo y letras negras (¿esos colores son los apropiados para que el texto se destaque en la noche?), las dos primeras vallas podrían funcionar como una campaña de intriga, al estar los tres carteles de forma seguida, en la última el enigma quedó descubierto al acusar directamente al comisario del pueblo.

“¿Cómo es posible, jefe Willoughby?”

En la vida real la repercusión sería a favor de la víctima, porque el mensaje impacta, es directo, conmovedor y emocional, al ser una película que juega a la ambigüedad así el planteamiento sea dramático, el efecto alcanzado es contrario y Mildred se echa en contra a la población que se compadece más por el comisario enfermo que por su pérdida, dolor e impotencia.

Pero si bien no se consiguió el objetivo básico para que los encargados encontraran culpables y encarcelarlos, sí se llamó la atención al punto de lograr una entrevista televisiva popularizando el caso y asomando a un posible culpable.

MIS TRES AVISOS

“Venezuela violada mientras moría”

“¿Aún ninguna detención?”

“¿Cómo es posible justicia, mundo, dios?”


REFLEXIÓN


Muchos podrán contabilizar la cantidad de contradicciones vistas en la película, y tienen razón, desde el mismo momento que se alquila unas costosas vallas en un camino que no recorre nadie, hasta la confesión de un violador en un bar como si estuviera contando que vio una escena en una serie de televisión, y tantas otras incongruencias justificadas precisamente porque es una comedia en la forma y un drama en el fondo.

Con cada uno de los giros tan forzados como inteligentes, sentí que Ebbing (ficción) es en pequeño lo que Venezuela (realidad) es en grande: apatía, desidia, indolencia, violencia e injusticia, en un marco surrealista de un paisaje añejo donde John Wayne se defiende con balas de salva y le responden con la impunidad de las armas de guerra.

Asimismo, vale recordar que no todos los negros son buenos, no todos los policías son educados, honestos y respetuosos, ni todos los policías torturan inocentes; no todas los medios publicitarios son efectivos; no todas las madres son ejemplares, no todos los golpeadores son amados y respetados por sus hijos, no todas las relaciones familiares son gratas; no todos los asesinatos se resuelven. Porque el concepto civilización nos quedó grande a los seres humanos, por eso tiende a triunfar la incompetencia, ilegalidad y la irreverencia de todos contra todos, es como estar estancados en la era de los picapiedras en pleno año 2018, y esta película lo expone al escarnio público.

Y por último, hay que tener presente el escupitajo de una alcoholizada y agnóstica Mildred contra el cura, es un monólogo que bien podría aplicar para la pandilla del show buisnees donde trabaja Martin McDonagh, Frances McDormand, y el resto del equipo de ‘Three Billboards Outside Ebbing, Missouri’.

¿Sabe en lo que pensaba hoy en la mañana? Pensaba en esas pandillas callejeras de Los Ángeles, “Crips” y “Bloods”. Pienso en las nuevas leyes que el gobierno tomó en los años 80 creo, para luchar contra esas pandillas callejeras, esas “Crips” y “Bloods”. Y si recuerdo bien, el núcleo de lo que las nuevas reglas decían era: Si te unes a una de esas pandillas y operas con ellos, y a una cuadra de ti una noche sin que lo sepas, tus amigos “Crips” o “Bloods” disparan a un lugar o apuñalan a alguien… Bueno, incluso si no supieras nada al respecto, y estuvieras en la esquina en tus propios asuntos… Las nuevas leyes dicen que eres culpable. Eres culpable por el hecho de unirte a esos “Crips” o “Bloods”. Lo cual me hizo pensar, Padre, toda esa situación es un poco como ustedes los de la iglesia, ¿no? Tienen su uniforme, tienen una sede… Son en otras palabras una pandilla. Y si fuma mientras lee la Biblia parado allá arriba mientras un compañero de pandilla se coge a un monaguillo abajo, entonces Padre, así como con “Crips” y “Bloods”… Usted es culpable. ¡Porque se unió a la pandilla, hombre! No importa si nunca hizo nada, vio algo o escuchó alguna cosa… Si te unes a la pandilla eres culpable. Y cuando alguien es culpable por la violación de un monaguillo o cualquier violación, porque sé ustedes le reducen el significado… Entonces ustedes perdieron el derecho de venir a mi casa, y decir algo sobre mí, mi vida, mi hija o mis carteles. ¿Así que por qué no acaba su té, Padre y se larga de mi maldita cocina?


RUMBO AL OSCAR


25.01.18

Otra de las películas nominadas al premio de la academia, que todavía no se estrena en el país y cuenta con siete nominaciones al codiciado galardón (película, guión original, actriz principal, actor de soporte (2), banda sonora, edición).

Una muy buena historia original que dice más de lo que parece. Su estructura es lineal con escenas paralelas, un plano frecuencia y flashback incluido (diez meses atrás) para recordar la relación de Angela con su madre Mildred, el día que discutieron y la chica salió para no volver; y otro momento para recordar las horas previas al suicidio del sheriff. Hay acciones agresivas desde el mismo hecho de la violación de una rebelde adolescente, las groserías, incomunicación, relaciones rotas (madre e hijos, ex esposos), en tres situaciones humanas irreversibles: la violencia, la impunidad y la venganza.

Merecida su nominación como mejor película ganando ya varios premios en este renglón, y de los largometrajes nominados que he visto, sin duda tiene más contenido que nos toca a todos y la hace universal. Pero si en algo se destaca esta historia original, es en el guión que se refleja en la puesta en escena de Martin McDonagh (47 años) quien es guionista, productor y director de esta comedia dramática, en su segunda nominación al galardón dorado (ganó un Óscar por el cortometraje Six Shooter), vale la pena leer el texto y deslizarse fluidamente por cada escena, atrapando en primera instancia el propósito de alquilar una valla; y por momentos te aleja las descalificaciones (personajes latinos, negros, mujer tuerta, hombre gordo, maricas, enano) que pareciera una obsesión del angloirlandés ya visto en ‘In Bruges’ (2008), así como el uso de las malas palabras y pare usted de contar el maltrato entre madres e hijos:

Madre: ¿Adónde vas?

Dixon: No es asunto tuyo.

Madre (con ironía): ¿A ver a tu atractiva mujer?

Dixon: Oye, cuidado cómo hablas.

Madre: ¿O qué harás?

Dixon: Te volaré la maldita cabeza, eso haré.

Retomas el encanto aceptando las trampas bien elaboradas y entrelazadas perfectamente en la edición tal cual sale en el guión, y el maniqueísmo de los personajes y situaciones para engañar o dejar con dudas al espectador, simpatizando con el tono tragicómico que se plantea.

ACTORES Y PERSONAJES

(al momento del rodaje en el año 2016 los actores tenían dos años menos)

Los tres actores que llevan el peso de la trama están nominados al premio Óscar, asumiendo personajes con dosis de caricaturas y realismo tan aprovechables que cualquier actor habría destacado con ellos, y eso es mérito del guionista que elaboró caracteres antagónicos que se complementaban y se necesitaban los unos a los otros para la fluidez de la historia.

Tres carteles afuera - Bill Willoughby

Woody Harrelson (56 años) en su tercera candidatura al premio Óscar, es el comisario Bill Willoughby (50 años) con más de 25 años de servicio en la policía. Buen esposo y padre, casado con Anne (30 años) y dos hijas. Es querido y respetado por los pueblerinos de Ebbing quienes saben que padece de cáncer. Públicamente es acusado por Mildred de no hacer lo suficiente por resolver el caso de su hija asesinada. Al avanzar su enfermedad decide suicidarse y dejar tres cartas de despedida, una para su esposa, otra para Mildred y la última para Dixon, su compañero de trabajo. Después de su fallecimiento lo relevó el comisario Abercrombie. El comisario cumple un rol generador de emociones y acciones para darle continuidad a dos de los personajes principales. Gracias a él Mildred pudo seguir inquietando con las vallas y Dixon consiguió confianza para tratar de ser mejor detective (y mejor persona).

Harrelson cumplió con el cometido del personaje pasando por transiciones sin brusquedad, mostró carácter y liderazgo en su profesión, mandando, conciliando y comprendiendo al prójimo; vulnerable ante la enfermedad; amoroso y respetuoso como cabeza de familia; decidido ante la muerte. Gran personaje.

Tres carteles afuera - Mildred

En su quinta nominación la ya ganadora de un premio de la academia Frances McDormand (60 años) interpretó a Mildred Hayes (50 años), una madre divorciada del golpeador y ex policía Charlie con quien tuvo dos hijos, Robbie (17 años) y su asesinada hija Angela Hayes (ni en la película ni en el guión se especifica la edad). Es una mujer de escasas sonrisas y trato amargo, no es una madre ejemplar y pareciera que perdió la fe en Dios y en la iglesia católica. El dolor, la culpa, la impunidad y la grosería con la cual anda Mildred por Missouri son consecuencia del sistema machista que no le da respuesta ni siente interés real por descubrir quién asesinó a su hija.

Otro estupendo personaje para que McDormand se luciera con su gracia y talento natural, aunque la comedia se le da más fácil y no logró conmoverme hasta las lágrimas, todo apunta que ella tiene la mayor opción de ganar el premio Óscar.

Tres carteles afuera - Dixon

Sam Rockwell (49 años) en su primera nominación al premio de la academia, caracterizó al oficial Jason Dixon (35 años), un hombre infantil que estudió para ser policía y duró seis años en la academia, su don es la violencia. Al morir su padre debió hacerse cargo de su anciana, alcohólica, irónica y poco amorosa madre, de quien se deja influenciar. Soltero, alcohólico y de conducta despreciable, ignorante, inmaduro, soberbio, machista, racista, xenófobo. El único que parecía calmarlo y comprender su ira era su jefe Bill Willoughby, quien antes de acabar con su vida le dejó una carta que lo transformó, desnudando su interior en una radiografía de su fragil personalidad. Al redimirse sin obtener respuesta de la justicia, Dixon que abusó de la ley con total impunidad, dejó la placa de policía porque se convenció que la justicia no funciona.

El álter ego de Ray (‘In Bruges’) es ese tipo de actor que sabes que viste en otras películas sin recordar cual, y que tiene más habilidad para la comedia que para el drama. Se robó el show, siendo el mejor personaje de la película, violento y patán que causó risa hasta sorprender su cambio de conducta y producir lástima por su estupidez e infantilismo justificado al estar a cargo de su madre, una anciana manipuladora y tan ignorante como él. Compite en la misma categoría que su compañero de equipo Harrelson, con posibilidades reales de ganar el galardón ya que ha obtenidos otros premios de la temporada.

¡Qué decir de la banda sonora! Desde el country hasta Chiquitita. Empezando que Carter Burwell (63 años) en su segunda nominación al premio de la academia, es el mismo compositor de la brillante y pegadiza música de ‘Carol’, y si bien son ambientaciones totalmente diferentes y no supera lo hecho anteriormente, el Soundtrack no tiene desperdicio.

Premio Óscar

Estreno en Venezuela: Sin estrenar.

Vista: 4.01.18

Nominaciones: Critics Choice de 6/3, Globo de Oro de 6/4, SAG de 4/3, BAFTA de 9/?, Óscar de 7/?

Premio Oscar (?/7): (película, guión original, actriz principal, actor de soporte (2), banda sonora, edición).

Ver también

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Dunkerque (2017)

DUNKIRK

Dunkirk

[Dunkirk]

Guión y director: Christopher Nolan (Memento, Batman Begins, The Dark Knight, Inception, Interstellar).

Elenco: Fionn Whitehead (Tommy), Aneurin Barnard (Gibson), Harry Styles (Alex), Mark Rylance (Sr. Dawson), Tom Glynn-Carney (Peter), Cillian Murphy (soldado ‘shivering’), Tom Hardy (Farrier), Kenneth Branagh (Comandante Bolton), James D’Arcy (Coronel Winnant), Jack Lowden (Collins), Barry Keoghan (George), Damien Bonnard (Soldado Francés)…

¡Acción! [spoiler]

Año 1940, Segunda Guerra Mundial. Se relata en escenarios paralelos y en momentos diferentes, tres puntos de vista de la evacuación de las tropas aliadas acorraladas en la playa francesa ‘Dunkerque’ (Operación Dinamo).

¡BLAM BLAM BLAM!

Dunkirk - Tommy y Gibson de camillerosEn principio vemos a un pequeño grupo de soldados británicos atrapados en ‘Dunkirk’ que esperan ser rescatados por las tropas británicas, lo que sería un milagro. Comienzan a dispararles, y sólo uno logra escapar. El sobreviviente dentro del elenco coral (la mayoría de los personajes no tienen nombre, hasta que lees el guión y los conoces) y quien inició la gesta en el MUELLE es Tommy (Fionn Whitehead), lo secundó Gibson (Aneurin Barnard) y el tercer soldado es Alex (Harry Styles). En el MAR lidera el civil Sr. Dawson (Mark Rylance) de quien se sabrá un poco más sin ahondar demasiado, acompañado de su hijo Peter (19 años), el polizonte George (16 años) y se une un tembloroso soldado (Cillian Murphy). Y cierra, en el AIRE Farrier (Tom Hardy) y Collins (Jack Lowden). Se desconoces sus antecedentes, apenas sabes que el contexto bélico es el verdadero enemigo de todos los involucrados como una fábula para justificar el recorrido, usando un hecho histórico sin profundizar en el, sin importar cuanta empatía se sienta por los personajes, con tal que el espectador asista a un ejercicio cinematográfico de alto presupuesto y supremacía técnica.

“La supervivencia no es justa.”

Conforme transcurre los minutos, nos damos cuenta que estamos frente a un drama bélico especial o un thriller de suspenso atípico, disfrutable para todo público, que dividirá a la audiencia y será aprobado por quienes tengan mayor comprensión histórica de lo ocurrido en la segunda guerra mundial o atacado por los cinéfilos exigentes que reclamarán por un mayor rigor histórico del antes, durante y después de la Operación Dinamo; mientras otros espectadores, así no sepan de los hechos reales acaecidos en aquella playa francesa, observarán la desesperación en la acción, y las dudas les despertará –o no- la curiosidad por saber cómo inició y se desarrolló el conflicto, quienes son unos y quienes son los otros; un tercer público quizás despistado, desinteresado y flojo en ir más allá de lo audiovisual, se quedará inconforme y confuso porque esperaba explicaciones, confrontaciones sangrientas, explosión de cuerpos, y demás detalles tan realistas como manidos en este tipo de género.

¡BOOM BOOM BOOM BOOM BOOM!

En cualquiera de los casos donde se encuentre el interés del espectador, lo percibido desde los papeles volando por el aire, los ruidosos silencios y las pisadas que parecían emitir sonido, más los disparos y bombardeos, cada detalle es protagonista de la tensión auditiva por encima de la identificación emocional, sin contar los mínimos momentos ‘Inception’ (confusos) que pese a que se remarcó el triángulo de la acción (muelle, mar y aire) y el tiempo (una semana, un día, una hora), en una primera mirada cuesta captar el puzles, hasta que todo llega a buen puerto.

“Todo lo que hicimos fue sobrevivir.”

Desde el punto de visto de estos personajes que actúan según sus instintos, gente tomando decisiones inmediatas o tratando de salvar su vida, el relato se prestaba para que, además del gran enemigo que era el nazismo alemán, la guerra en sí misma significara el enemigo para todos los involucrados, por lo que no habría venido mal que Gibson hubiera sido alemán sobreviviendo en terreno enemigo, tratando de salvarse de sus aliados que bombardeaban, de sus contrarios que trataban de salvarse y de las adversas circunstancias, cuestión ya visto y que ha Nolan no le habría interesado repetir (a mí sí me habría gustado verlo), y prefirió darle a los franceses (un soldado francés le habló con desprecio a Tommy, los soldados británicos no dejaron subir al barco a los soldados franceses, el soldado francés muere).

Cuando finaliza los densos 106 minutos de aparente sencillez, queda la sensación que lo visionado es hermoso y espectacular en la forma e insuficiente en el fondo dramático, obligando a ver una y otra vez para convencerte que ciertamente ‘Dunkirk’ es un peliculón, y también para recordar cuantos barcos se hundieron obligando repetidas escenas de soldados nadando para salvarse, que pasó con Gibson y tratar de comprender por qué el soldado ‘Shivering’ ya rescatado en el barco, posteriormente aparece en medio de otro rescate nocturno, y después todo vuelve a lo anterior, ¿es un error de edición y montaje o es que el meticuloso Nolan quiere hacernos pensar un poco más?.

BARCOS

1.- Barco enfermería (cruz roja)

  • Es atacado y se hunde. De allí se lanzó Alex para salvarse y es ayudado por Tommy y Gibson que estaban escondidos en la estructura del muelle.

Dunkirk - Primer barco enfermería se hunde.

2.- Barco destructor (036).

  • Por la noche el barco es atacado por un torpedo Alemán y se hunde, Gibson abre la escotilla y permite que los soldados británicos salgan. Nadan hasta un bote y allí coincide Tommy y Alex con el soldado que posteriormente será rescatado por el Sr. Dawson (visto en escenas anteriores).

Dunkirk - Suben al 2do barco (destructor). Dunkirk - Gibson abre la puerta del segundo barco.

3.- Barco encallado.

  • Los tres soldados Tommy, Gibson y Alex se unen a otro grupo de soldados que van en busca de un barco encallado. Se resguardan en ese barco hasta que suba la marea y el barco pueda moverse. Alex saca lo peor de sí y Tommy aceptó el acuerdo para sobrevivir. Conoceremos el nombre de Gibson y su nacionalidad. Les disparan al barco y sube la marea. Tommy es uno de los primeros en salir. Alex y Gibson se quedan últimos ¿tapando huecos mientras el barco se hunde?, Alex huyendo le dice a Gibson que deje (¿de tapar huecos?), Gibson lo sigue pero no pudo salvarse. El barco se hunde.

Dunkirk - Tommy, Gibson y Alex se unen a otros soldados para subir al 3er barco. Dunkirk - Grupo de soldados en el tercer barco. Dunkirk - Se hunde el tercer barco.

4.- Barco buscaminas.

  • Todos los protagonistas ven cómo el avión alemán bombardea el barco buscaminas y se hunde derramando combustible en el mar, Tommy estaba cerca. En un nuevo ataque se incendia el mar negro afectando a los soldados.

Dunkirk - El barco buscaminas es bombardeado. Vista por el piloto. Dunkirk - El barco buscaminas es bombardeado. Vista desde el bote. Dunkirk - El barco buscaminas es bombardeado. Vista por Tommy.

4.- Barco MOONSTONE (en el canal de la mancha)

  • El Sr. Dowson salvó al tembloroso soldado, al piloto Collins, a Alex y a Tommy.

Dunkirk - Barcos de civiles. Dunkirk - Barco MOONSTONE del Sr. Dowson.

El cineasta jugó con el ritmo a su antojo, obligando a armar el rompecabezas de las imágenes intercaladas de esos tres períodos paralelos (muelle, mar y aire) que ingeniosamente transcurrieron en momentos distintos, siendo las mejores escenas las de los soldados escapando del peligro en varias oportunidades, semejándose a ‘Corre Lola, corre’ en versión bélica, sintiéndose que había un grupo respaldando la sobrevivencia aunque no los más de 300.000 hombres que se lograron rescatar. Por el contrario, las otras historias cruzadas de héroes anónimos se vieron endebles, sin contexto que los acompañara y de moderada tensión para lo que se estaba viviendo: un único barco con cuatro personajes al rescate de soldados, y justificado que sólo tres aviones estuvieran en combate hasta quedar uno de ellos en solitario logrando la hazaña final.

De lo macro a lo micro, es lo que ve, es lo que se escucha, es lo que se siente… si cuenta con la sensibilidad para captar los contratiempos individuales de la guerra.


RUMBO AL OSCAR


23.1.18

‘Dunkerque’ sería la segunda película que se proyectó en cartelera nacional de las candidatas a premios (película, director, fotografía, banda sonora, edición, sonido, mezcla de sonido, diseño de producción).

Dunkirk - Encuentro de personajesLeído el guión pensé que sería tan onomatopéyico y confuso como la película, mas, el texto se convierte en un cuento de escenas superpuestas tal cual a lo que se ve en pantalla siempre siguiendo el orden de acción de Tommy quien encadena el día en el mar y la hora del aire. Cuando coincidenDunkirk - Tommy y Alex huyendo del 2do barco y Gibson los ayuda en la noche Tommy y el soldado tembloroso que ayudó el Sr. Dawson, en el guión se acota que es el mismo soldado tembloroso pero en control de sus facultades.

Guión

Tommy and Alex, life jackets on, swim on the swell, bodies and burning wreckage all around, fuel burning on the Surface of the water.

Tommy and Alex pull for an overloaded row boat. Tommy grabs the side, tries to climb. He’s pushed off by the men inside –

MALE VOICE

Piss off – it’s too crowded!

Alex is grabbing at the rail as well –

ALEX

You can’t leave us! Make some room –

SOLDIER (O.S.)

You men, leave off. You’ll capsize the boat – it’s gone over twice on the way out here…

Tommy looks at the Soldier. It is the Shivering Soldier, not yet shivering, in full control of his faculties.

SOLDIER (CONT’D)

You have to stay calm. There are plenty of boats.

ALEX

Calm?! Wait till you get torpedoed, then tell us to be calm!

SOLDIER

You have life jackets?

MALE VOICE

Yeah, they do.

SOLDIER

Don’t panic, the water’s not too rough, or too cold. We’re heading back to the beach –

MALE VOICE

Fuck off! Let’s go to Dover!

Several voices join in.

SOLDIER

We can’t make it across the Channel on this, lads. We need to get back to the beach and wait for another ride.

(MORE)

36.

(gestures)

It’s not even half a mile. You men in the water float here, save your strength, we’ll come back for you.

The men start rowing.

Gibson is in the back. Alex spots him.

Gibson quietly drops the rear painter (a small rope attached to the stern) into the black water.

Alex takes it, hands part of it to Tommy and they quietly drag behind the boat as it rows in to the shore… The men in the rear notice, but nobody says anything…

As the dawn breaks, the small, packed boat pulls across the calm water to the vast, packed beach at Dunkirk.

Ha de ser difícil para los que premian, demeritar semejante puesta en escena que por demás estarían inscritos en la parte técnica. En lo que se convierte en una experiencia única que cuesta saber cómo defenderla y a la vez, cómo atacarla, porque podrá gustar más o menos, pero por momentos la grandiosidad de ‘Dunkirk’ está más cercana a ‘La odisea en el espacio’ (Kubrick) que a su propia ‘Interstellar’, aunque temáticamente no tenga relación alguna, es un chapuzón en un mundo (nuestro mundo) desde la perspectiva sensorial, íntima y solitaria de los escenarios que se plantean. Visualmente apabullante y auditivamente tridimensional (debe ganar todos los galardones en sonido), acoplada en lo musical.

Lo que atrapa y aleja del director, es que no quiere una estructura fácil por tanto rebusca en una historia simple de civiles en botes rescatando soldados porque contarlo de forma lineal sería un insulto para él, entonces hace una cruzada de soldados, civiles y pilotos pero no de resolución perfecta al estilo ‘Babel’ de Iñárritu que se van uniendo las historias para un desenlace, sino al enredado estilo Nolan donde por instantes el relato se repite según el punto de vista como si se tratara de un sueño o recuerdo que carece de cronología en los hechos. ‘Dunkirk’ vende la idea de acciones que transcurren en un realismo paralelo diferenciándose en el tiempo en el cual pasan, y que en algún momento deben coincidir los personajes pero no en acciones que transcurren con base a un recuerdo o a un relato onírico o de ciencia ficción que justificaría superponer imágenes (y enloquecer al espectador).

Por lo tanto, es una  propuesta original y en un segundo visado el hecho de atar cabos se hace muy divertido, es por eso que en ciertos semblantes es una obra maestra y en otros aspectos su empeño en jugar con el espectador y convertir una historia simple en algo más rimbombante, baja la emoción e identificación con los personajes. Eso sí, para bien o para mal, manteniendo su estilo y eso se agradece.

Christopher Nolan (47 años) cinco veces nominado al premio de la academia en tres oportunidades (2002, 2011 y 2018), supone un nuevo avance en su espectacular carrera, siendo la primera propuesta inspirada en hechos reales de carácter histórico, que sin embargo para esta entrega nº 90 del premio de la academia deberá conformarse con las nominaciones en todas las temporadas de premios y con los galardones en el área de sonido, de lo contrario sería un batacazo.

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Estreno en Venezuela: 28.7.17

Nominaciones: Critics Choice de 8/1, Globo de Oro de 3/0, SAG de 1/0, BAFTA de 8/1, Óscar de 8/?

Premio Oscar (?/8): (película, director, fotografía, banda sonora, edición, sonido, mezcla de sonido, diseño de producción).

Ver también

  • [Sript] ‘Dunkirk’. [PDF]

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